El panorama teatral neoyorquino se debate constantemente entre la nostalgia y la innovación. Mientras algunas producciones luchan por revivir viejas glorias sin éxito, otras apuestan por formatos arriesgados y temáticas contemporáneas. Dos ejemplos claros de esta dualidad son la enésima resurrección de «The Baker’s Wife» y el estreno de «Initiative», una obra de cinco horas inspirada en el universo de «Dungeons & Dragons».

El eterno intento de salvar ‘The Baker’s Wife’

A veces, una gran canción es suficiente para mantener viva la esperanza de salvar un musical entero. Ese es el caso de «The Baker’s Wife» (La mujer del panadero), el espectáculo de Stephen Schwartz basado en una película francesa homónima. La obra fracasó estrepitosamente en sus pruebas fuera de la ciudad en 1976 y nunca consiguió llegar a Broadway, pero dejó para la posteridad el épico solo «Meadowlark».

Quizás hayan escuchado a Patti LuPone interpretarla, aderezada con sus comentarios sobre actuar en teatros casi vacíos. O quizás a otras aspirantes a divas de gran voz dándole su propio giro a esta extensa analogía de cuento de hadas sobre Geneviève, la protagonista que decide dejar a su marido mayor por un joven apuesto. «Meadowlark» posee una melodía rica e impulsiva y una cuidada narrativa interna. Es fácil perdonar a quien piense que el espectáculo que la rodea podría ser rescatable.

Durante los últimos 50 años, el propio Schwartz, con varios colaboradores, ha intentado precisamente eso, retocando el resto del musical sin cesar. La última versión de «The Baker’s Wife» llega ahora a la Classic Stage Company desde Londres, en una producción dirigida por Gordon Greenberg con una tendencia a lo abrumadoramente cursi. ¿Consigue esta vez estar a la altura? Pues non, bien sûr.

Un concepto fallido desde el inicio

El problema fundamental es que, al margen de «Meadowlark», «The Baker’s Wife» no es un musical interesante. La partitura de Schwartz y el guion de Joseph Stein adaptan una farsa francesa burda con bastante torpeza. La trama arranca con Denise (una Judy Kuhn de labios fruncidos) presentando un pueblo del sur de Francia donde nunca pasa nada a través de la canción «Chanson».

El pueblo recibe a un nuevo panadero, Aimable Castagnet (interpretado por un Scott Bakula que irradia calidez natural), tras la muerte del anterior. Los aldeanos lloran de emoción ante la calidad de sus baguettes, pero pronto, la joven esposa del panadero, Geneviève (Ariana DeBose), atrae la atención de un apuesto seductor (Kevin William Paul). Este la convence para que se fugue con él. Ante su ausencia, Aimable abandona el horno. Los conflictivos aldeanos —que incluyen un sacerdote, un hombre de ciencia y un alcalde obsesionado con el sexo, en una eterna preparación para chistes que nunca llegan— deben dejar de lado sus diferencias para reunir a la pareja en nombre de los carbohidratos de calidad.

El desajuste entre el material y el talento

El concepto de «The Baker’s Wife» es un suflé, y por tanto, no encaja con el talento de su compositor. Schwartz tiende a brillar cuando sirve guisos pesados de emoción, especialmente si los sentimientos son, literal o figuradamente, bíblicos, como en Pippin, Wicked, Godspell o, en el cine, El Príncipe de Egipto. El material original exigía un toque más sutil, y cuando Schwartz musicaliza los sucesos monótonos del sur de Francia, su trabajo se vuelve protocolario rápidamente.

En esa primera canción, rima «Every day as you do what you do every day» (Cada día haces lo que haces cada día) con «café». Durante gran parte de la partitura, uno tiende a desconectar y pensar en cómo Howard Ashman, con un ingenio lírico más afilado, le dio mil vueltas en este département en La Bella y la Bestia. Cuando Schwartz tiene la oportunidad de desatar la grandeza, como en «Meadowlark», su escritura cobra vida, pero ese vigor también hace que la canción resulte aún más incongruente entre odas al pan francés. Casi se puede entender por qué el productor original, David Merrick, intentó robar todas las copias de la partitura del foso de la orquesta para que LuPone no pudiera cantarla. La canción tiene tanta fuerza que desequilibra por completo la ligera farsa.

Lo mismo puede decirse del casting de Ariana DeBose como Geneviève, una de las intérpretes más dispuestas a entregarse que existen. Recita sus frases con un espeso ronroneo francés, mientras el resto del elenco opta por acentos más suaves, y sobreactúa cada gesto en su gran solo. El resultado es terriblemente exagerado. DeBose desvía el foco de la producción hacia Geneviève, un personaje que, a pesar del título, debería ser secundario. El musical se resiente cuando, tras fugarse, el personaje sigue reapareciendo, dinamitando la estructura de la obra, que debería usar la ruptura de la pareja como punto de partida para una reflexión comunitaria.

La ambición de nuevas formas teatrales

Mientras la escena «Off-Broadway» lidia con los fantasmas de producciones fallidas como esta, otros espacios, como The Public Theater, apuestan por formatos radicalmente distintos. Es el caso de «Initiative», una nueva obra que explora la creciente popularidad de «Dungeons & Dragons» (D&D) no solo como entretenimiento, sino como vehículo narrativo escénico.

El famoso juego de rol de mesa ha alcanzado un nuevo estatus cultural. Por un lado, están las adaptaciones tradicionales, como el éxito de taquilla «Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves» o la trama de «Stranger Things». Por otro, la inmensa popularidad de las series de «actual-play» (partidas retransmitidas) como Critical Role.

‘Initiative’: cinco horas de adolescencia y rol

«Initiative» se sitúa en un punto intermedio. Se trata de una obra de cinco horas de duración que se estrena en The Public Theater de Nueva York y estará en cartel hasta el 7 de diciembre. Escrita por Else Went y dirigida por Emma Rosa Went, la obra incluye múltiples descansos y, en las funciones de los sábados, una pausa de 90 minutos para cenar.

La obra se describe como «una agridulce reflexión sobre la adolescencia en los albores del nuevo milenio». «Initiative» (nombre que alude a un componente clave del juego) traza las vidas entrelazadas de siete adolescentes entre los años 2000 y 2004, mientras forjan amistades, lidian con su potencial, enfrentan pérdidas incalculables y luchan por encontrar su camino en un pueblo costero perdido de California.

El juego como espacio de seguridad

Gran parte del hilo conductor de la obra se centra en la liga de «D&D» del grupo. Cuatro partes críticas del espectáculo se dedican al tiempo que pasan jugando, y a cómo el juego actúa como motivo central de sus viajes en la vida real.

«Creo que la semilla inicial surgió cuando escribí una escena sobre un grupo de gente jugando a ‘Dungeons & Dragons’ en un sótano», explicó la dramaturga Else Went a Variety. «Les interrumpía una llamada telefónica informando de una tragedia, un accidente de coche. Entonces, se apoyaban mutuamente y luego volvían al juego como un espacio de seguridad». A partir de ahí, la idea evolucionó, incorporando elementos de su propia vida en el instituto y la construcción de comunidad a través de la narración colaborativa, porque, según Went, «D&D es un tipo de teatro».

El concepto inicial data de 2016, pero fue durante una beca entre 2018 y 2019 cuando Went expandió el guion a su forma final de cinco horas. Es una apuesta arriesgada en un mundo teatral donde la capacidad de atención del público ha disminuido notablemente. «Nos dimos cuenta de que ese era el contenedor teatralmente emocionante», añadió la directora, Emma Rosa Went. «Parecía intrínsecamente correcto para la historia de estos jóvenes, permitiendo al público verlos envejecer durante ese período de cuatro años en tiempo real».